Um dos mais notáveis guitarristas do jazz português na atualidade, Mané Fernandes, faz-se rodear no projeto The Mantra of the pHat Lotus por outros músicos da nova geração que, à sua semelhança, se destacaram na cena do Porto, todos eles exímios instrumentistas e todos eles com ideias frescas. Este novo grupo cruza o jazz com o hip-hop e faz com que nos apeteça dançar, mas sempre evitando o óbvio e o fácil, utilizando composições (as do líder) de difícil execução que ou podem ser polirrítmicas e ter tempos diferentes tocados em simultâneo, ou mudam subitamente de direção. Neste concerto, o quinteto traz consigo dois convidados especiais, Gonçalo Moreira (desviado de outro projeto de Fernandes, Bouncelab) e o inglês Nick Jurd, para além de um novo repertório, especialmente criado para o efeito.

Co-produção: Sonoscopia

Cortesia Galerie Chantal Crousel

Isabel Carvalho

Julie Nioche

Duração aprox 1h

Classificação etária M/12

"Amor do horizonte, amor comprometido, amor voraz, amor elástico, amor desajeitado, amor ao tempo perdido, amor ao invisível... os nossos amores estão inscritos nalguma parte de nós.” "NOS AMOURS” explora uma série de memórias sensoriais de diferentes amores que acompanharam Julie Nioche, atravessaram a sua vida e deixaram traços diversificados, partilhados numa dança íntima, a solo, interpretada pela própria. A coreografia, de oscilações generosas e não-diretivas, alicerça-se em práticas somáticas que sempre a fascinaram e que permitem observar os seus traços corporais, psíquicos, emocionais, e tornar acessíveis memórias ocultas e inesperadas. Tudo isso é proposto em "NOS AMOURS”, uma impressionante coreografia de luz, acompanhada por uma banda sonora de um coro à capela, composta por Alexandre Meyer a partir das "Variações Goldberg” de J. S. Bach, interpretadas por Glenn Gould.

Sonho d'Intestino

Orifice Paradis

Palco

(1)  À beira de um rio morava uma mulher e um homem totalmente nus. De cada vez que um deles saía a porta sem dizer ao outro para onde ia, era quase certo ir urinar ao pé do rio, a descer. Um dia o homem estava a urinar e o sol dava-lhe na cara e nos olhos e os insectos voavam em volta das plantas. O homem fechou os olhos e a sorrir, sentiu uma grande força dentro dele. Era a alegria. Quando voltou a casa foi comer uma laranja e beijar a pele da mulher que era loira. (retirado de Raso Como o Chão, Álvaro Lapa, Editorial Estampa, Lda., Lisboa, 1977, p.117)

 

O início dos anos 2000 marcou uma grande viragem na obra da compositora francesa Éliane Radigue. Após um percurso quase exclusivamente dedicado aos sintetizadores eletrónicos, Radigue inicia a produção de um conjunto de trabalhos dedicados à instrumentação acústica. A primeira dessas obras é Naldjorlak I, e o impulso para a sua criação surgiu em resultado de Radigue ter assistido a um recital do violoncelista norte-americano Charles Curtis.

Em estreia em Portugal, Serralves apresenta as três partes do ciclo Naldjorlak. O título é uma palavra composta inventada por Radigue mas com referências à língua tibetana, evocando conceitos espirituais budistas de união e de respeito. O ciclo desenvolveu-se entre 2004 e 2009, sempre numa relação com instrumentistas virtuosos, e construído com base na interação e jogo com subtis propriedades e frágeis fenómenos acústicos dos instrumentos. 

17h00 Naldjorlak I

(para violoncelo solo)

18h00 Naldjorlak II

(para dois basset horns)

19h00 Naldjorlak III

(para dois basset horns e violoncelo)

Os grandes descobridores dos continentes literários, desenham-nos ao tempo que os abordam. Depois tornam-se porventura os melhores guias para quem se dispõe a  acompanhá-los. Assim era Álvaro Lapa, não por sentido pedagógico da missão mas por ir(radiação).

Com alguns leitores cúmplices atrevemo-nos uma pequena volta ao bibliomundo de Álvaro Lapa em 77 textos / 77 autores, passando por leituras que o constituíram como artista: de James Joyce a Malcolm Lowry, de Henri Michaux a António Areal, de Gregory Corso a Bruno Schulz, de Lautréamont a Mário Cesariny, de Alberto Savinio a Antonin Artaud, e por aí fora por ali dentro.

SERVICE NO.5, apresentado pela primeira vez em Portugal, é o mais ambicioso de todos os "Serviços Coreográficos” do coreógrafo, performer e artista visual Adam Linder e marca um regresso deste artista a Serralves. Linder, a viver entre Berlim e Los Angeles, pertence a uma geração de artistas que propõe novas formas de pensar o lugar e a representação do corpo performativo na arte contemporânea. 

SERVICE NO.5 será interpretado pelos bailarinos Leah Katz, Justin F. Kennedy, Noha Ramadam e Stephen Thompson, de 21 a 25 de Março, entre as 13h00 e as 18h00,  na galeria do Museu de Serralves. Os quatro performers, vestidos com figurinos elaborados em formas modulares, constituirão um conjunto de quadros vivos gráficos, interpretados ininterruptamente, como se estivessem fixados às paredes e ao chão, parasitando o lugar da galeria do Museu. 

Com o propósito de levar a teatralidade e a ficção para o espaço supostamente neutro da galeria do Museu, Linder propõe com SERVICE NO.5 repensar a relação entre a sensibilidade teatral e o espaço expositivo. Aspetos como a mimese, a representação e a artificialidade reconfiguram o espaço museológico no seu formato e na sua função.

Acesso: Mediante aquisição de bilhete Museu (emitido no próprio dia)*

*Desconto de 25% (cumulativo) na compra do bilhete Museu e para a festa Moderna no Passos Manuel com o comprovativo de compra de bilhete para o concerto no Auditório no dia 25 de novembro.

Sensate Focus é um projeto de Mark Fell que responde às estruturas musicais, técnicas, vocabulários e sons presentes numa coleção de músicas house produzidas na América do Norte em torno de 1992-1994.

Através de uma série de discos (lançados em conjunto com as Editions Mego) e apresentações "ao vivo", Sensate Focus aborda a divisão de música em padrões repetitivos de duração observável e fixa; a colocação de eventos percussivos em pontos específicos dentro de padrões para demarcar níveis distintos de divisão temporal; organização e repetição de padrões para formar "arranjos" maiores; e, estratégias pelas quais camadas de instrumentação são introduzidas e removidas.

Para Fell, este exercício implica necessariamente uma resposta às estruturas tecnológicas, técnicas e vocabulários presentes nos equipamentos nos quais eles são constituídos, e a sua funcionalidade em contextos sociais específicos.

Rian Treanor (n. 1988) é um artista e produtor sediado no norte do Reino Unido. A sua prática reimagina a intersecção da cultura do club com a arte experimental e música com base em computadores, apresentando um mundo musical perspicaz e fascinante de componentes interligados e fraturados. Com base em seu estudo com Lupo no famosos Dubplates & Mastering de Berlim, para além de anos de curadoria do espaço artístico Enjoy em Leeds, o som de Treanor evoluiu para arranjos rítmicos descentrados, referenciando a dinâmica do garage e do techno tanto quanto os cut-ups Fluxus e Dada.

Após o marcante 12’’ de estreia, "A Rational Tangle”, seguiu-se o brilhante EP "Damage Pattern” com selo da Death of Rave em 2016, angariando um ressonante 10/10 e álbum do mês na Mixmag e Boomkat. Desde então, Treanor tem-se apresentado nos formatos live e dj set em locais de referência como o Cafe Oto (Londres), CCA (Glasgow), Empty Gallery (Hong Kong), Berghain (Berlim), OHM (Berlim), além de ter participado em residências artísticas no yU+co[lab] em Hong Kong e na Índia com o Counterflows.

Mark Fell é um dos mais importantes protagonistas do vasto território da música realizada com base em algoritmos, tanto na sua carreira a solo (em nome próprio ou enquanto Sensate Focus) como em projetos como os míticos SND e colaborações com Terre Thaemlitz, Okkyung Lee, Vladislav Delay, Errorsmith, Gábor Lázár, Laurie Spiegel, entre outros. A abordagem conceptual e crítica que adota em relação à natureza tecnológica da sua prática e às suas respetivas implicações culturais e sociais conduziram a uma expansão do alcance musical e disciplinar do seu trabalho que, para além dos discos e concertos, também tem tomado a forma de obras orquestrais, instalações, performances transdisciplinares e curadoria.

Intermetamorphosis é uma nova série de trabalhos colaborativos de Mark Fell encomendados pelo Museu de Arte Contemporânea Serralves que consideram a estratificação e interação de sistemas técnicos e interpessoais. O título refere-se a uma condição médica em que os indivíduos parecem fazer transições entre si e diferentes identidades conhecidas. Isto é o ponto de partida para uma série de explorações que antagonizam os modelos clássicos de produção artística e cognição. A peça central da série é uma nova obra performativa com o bailarino e coreógrafo norte-americano Justin Kennedy. Ocupando o espaço da galeria durante vários dias, a obra é baseada em ações recursivas e em comportamentos que se formam em relação a objetos técnicos, culminando numa performance apresentada na última noite e que encerra o trabalho.A peça conta com a colaboração do Digitópia Collective da Casa da Música através do gamelão robótico desenvolvido por aquele coletivo. Fell trabalhará também com o Drumming- Grupo de Percussão numa peça musical apresentada no auditório de Serralves que revisita uma coleção de metalofones microtonais originalmente desenvolvidos pelo compositor Iannis Xenakis para a obra Pléïades. Ainda no campo da música, ele irá criar uma composição generativa para o Restaurante do Museu de Serralves. Será igualmente projetada uma seleção de trabalhos de Fell (que enquanto jovem, foi estudante de cinema experimental e videoarte no Instituto Politécnico da cidade de Sheffield) realizados para imagens em movimento. Esta seleção, exibida no Cinema Passos Manuel, percorre vários momento da sua carreira e inclui colaborações com Luke Fowler e Erkka Nissinen.

A diversidade crescente da prática de Fell reflete-se no espectro alargado das instituições que o têm convidado a apresentar o seu trabalho, dos super-clubes como o Berghain em Berlim ao Hong Kong National Film Archive, passando por performances e exposições em instituições como MACBA (Barcelona), ICA (Londres), Royal Festival Hall (Londres), Serpentine Gallery (Londres), Whitechapel (Londres), Artists Space (Nova Iorque), EMPAC (Troy, Nova Iorque), Issue Project Room (Nova Iorque), Lampo/Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts (Chicago), Haus der Kultur der Welt (Berlim), CCA (Glasgow). Encontramos a sua música em registos discográficos de importantes editoras como a Editions Mego, a Pan ou a Raster-Noton.

23 Nov (Qui) e 24 Nov (Sex): das 10H00 às 18H00

25 Nov (Sáb) e 26 Nov (Dom): das 10H00 às 19H00

*Desconto de 25% (cumulativo) na compra do bilhete Museu e para a festa Moderna no Passos Manuel com o comprovativo de compra de bilhete para o concerto no Auditório no dia 25 de novembro.

Alexandra Bachzetsis é uma das mais importantes coreógrafas da cena de dança europeia. O seu trabalho, que incorpora performance, dança e artes visuais, foi apresentado na Fondation Beyeler (Basileia, 2013), na Chisenhale Gallery (Londres, 2012), na Documenta 13 (Kassel, 2012) e, mais recentemente, na documenta 14, onde estreou mundialmente a peça "Private Song”, em Atenas e Kassel.

As peças Private: Wear a mask when you talk to me e Private Song serão apresentadas pela primeira vez no Porto, respectivamente no Auditório de Serralves e no Teatro Nacional de S. João, a convite de Serralves - Museu de Arte Contemporânea. 

Private Song toma como ponto de partida as transformações de género e as transições corporais, abordando a construção social e coletiva de sentimentos e comportamentos corporalmente sexuados, dos códigos do rebetiko à cultura popular contemporânea. Com três performers, Private Song reenquadra alguns dos elementos que integram a performance a solo Private: Wear a Mask When You Talk to Me. Se a performance a solo recorre à automutilação enquanto técnica de exploração de construções sexuais e culturais através da repetição ritualizada do gesto manifestado no corpo, Private Song propõe a noção de enquadramento enquanto estratégia perceptual para questionar, acentuar ou neutralizar a relação do espectador com os corpos em movimento no palco. Canções populares rebetiko das décadas de 1940 e 50, compostas por Giannis Papaioannou, Vassilis Tsitsanis e Giorgos Mitsakis, são introduzidas na peça — não como motivo narrativo, mas como meio de justaposição de vozes singulares e gestos codificados oriundos da dança oriental e moderna, assim como da luta livre, dos modelos sexuais de Hollywood e da história ilustrada das representações do amor e da batalha. 

Estreia - 10 Jul 2017 Documenta 14 – Henschel-Hallen (Alemanha) 

As peças Private: Wear a mask when you talk to me e Private Song serão apresentadas pela primeira vez no Porto, respetivamente no Auditório de Serralves e no Teatro Nacional de S. João, a convite de Serralves - Museu de Arte Contemporânea. 

Nas palavras de Paul B. Preciado – um dos principais pensadores no âmbito da política sexual e de género, colaborador de Bachzetsis nestes dois projectos – a peça PRIVATE Wear a mask when you talk to me, interpretada pela coreógrafa, pode ser considerada uma espécie de "peça-equipamento”, onde se explora a reprodução dos comportamentos quotidianos de género e identidade sexual. Trazendo a tradição coreográfica de Brown para o mundo tecno-barroco da cultura pop global, Private: Wear a mask when you talk to me é um relatório independente, com cinquenta e três minutos de duração, sobre o modo de produção do género e do desejo sexual através da repetição ritualizada de gestos físicos no seio do regime neoliberal.

Acesso: mediante aquisição de bilhete Museu (emitido no próprio dia)*

*Mediante apresentação do bilhete Museu do dia 9 de setembro, tem 25% de desconto (cumulativo) na aquisição do bilhete do dia 10 de setembro.

Amigos de Serralves: Entrada gratuita 

- sujeito à lotação do espaço; 

- parque de estacionamento gratuito. 

Ignatz é o nome de uma personagem de banda desenha criada pelo ilustrador George Herriman. Ele é o rato arqui-inimigo do gato Krazy Kat e o seu principal passatempo é atirar tijolos à cabeça do gato que, erradamente, interpreta estas ações como declarações de amor. O artista belga Bram Devens adotou o nome de Ignatz para seu alter-ego. No entanto, em vez de armado com tijolos, atira-nos antes com emotivas canções nascidas da condição humana, embrulhadas em efeitos e corroídas por fitas magnéticas, alimentadas pela improvisação e pela espontaneidade. As suas músicas surgem dum quadro familiar de despojamento lembrando o primitivismo de Henry Flynt. Lançadas à deriva elas destilam o vapor que se esconde por baixo duma superfície cool. Enquanto a sua guitarra é adornada com uma rudeza refinada, varrida por ritmos passageiras e se cruza com pequenos motivos de um teclado, a sua voz recua do coração da canção para se arrastar, deslocada e periclitante. 

Luca Argel é um cantautor e poeta brasileiro sediado no Porto, onde trabalha como vocalista do grupo "Samba Sem Fronteiras” e escreve bandas sonoras para espetáculos e filmes. Tem publicados quatro livros de poesia e participações em diversas revistas, antologias e festivais no Brasil e em Portugal. Em 2016, lançou seu primeiro disco a solo, "tipos que tendem para o silêncio”, um conjunto de 10 canções que têm como base melodias simples executadas em instrumentos eletrónicos rudimentares e onde a voz de Argel encarna os desabafos de dez mulheres. Em Março deste ano lançou o seu segundo álbum, "Bandeira”. Aqui, munido apenas de guitarra e voz, explora as possibilidades mais líricas e poéticas do samba. 

Acesso: mediante aquisição de bilhete Parque

É com "Toada” como principal documento de identidade que Live Low chega aos registos de longa-duração, afirmando-se como um quarteto coeso depois de várias colaborações. A nova pele é vestida por Pedro Augusto, Miguel Ramos, Ece Canli e Gonçalo Duarte, cruzando-se nela ritmos de trabalho e um cancioneiro vasto, reinterpretado com texturas electrónicas e composições complexas. Live Low quebram as amarras da lavoura em busca do aspecto encantatório do seu ritmo, revitalizando o folclore e as suas possibilidades escapistas.

Negra Branca é Marlene Ribeiro, conhecida enquanto membro atual do esquadrão psicadélico dos Gnod onde é responsável por muitas das paisagens oníricas mais melódicas e tonais. Igualmente no trabalho a solo se destaca a tendência para as harmonias pop sombrias e as linhas de baixo profundas, viajando entre o balançar de um Tricky no seu início, a pop coral e a profundidade das batidas da favela, tudo revestido por um verniz pegajoso de molho chili agridoce. O seu primeiro registo gravado foi uma cassete editada em 2013 pela Tesla Tapes dos Gnod. A excelente receção crítica mereceu comparações a artistas como Grouper ou Inga Copeland.

Acesso: mediante aquisição de bilhete Parque